Collection particulière #1 Street Art
Pour cette première édition, nous avons choisi de mettre en lumière une sélection d'artistes du mouvement street art. Chacun des 24 artistes apporte sa propre signature, créant ainsi une constellation d'œuvres uniques. Parmi eux, des noms prestigieux tels que Miss.Tic, Ernest Pignon-Ernest, Shepard Fairey et bien d'autres, se réunissent pour offrir une expérience éclectique et inspirante. Leur capacité à capturer l'essence de la vie urbaine se traduit par une palette éblouissante d'œuvres.
Chaque pièce exposée est imprégnée de l'énergie brute des rues, ainsi que des émotions et des réflexions profondes qui animent ses artistes. Des couleurs éclatantes aux nuances sombres, des messages politiques forts aux citations poétiques, chaque œuvre offre une fenêtre sur le monde qui nous entoure. Cette exposition célèbre l'esprit rebelle et l'authenticité, où les rues deviennent des toiles infinies.
Que vous soyez un érudit, un admirateur ou un novice curieux du street art, cette exposition vous invite à parcourir les rues de Paris, New York et d’ailleurs à travers les yeux de ces artistes audacieux. Ne manquez pas cette occasion unique d'explorer l'univers fascinant du street art et les talents qui le peuplent.
Publié le 01/03/2024
Après 4 années de travaux communs entre terrains vagues, friche industrielle petites commandes et initiations, ils créent leur groupe ABAZEDATOME en 1998 pour souligner la fusion de BAZE et ATOME. Après s’être fait remarquer de part l’ampleur que prenaient leurs fresques, le collectif ABAZEDATOME commence à travailler de plus en plus avec les collectivités, les centres sociaux … Cependant par manque de statut juridique, ils sont dans l’obligation de refuser de nombreuses commandes. C’est en 2000 qu’ABAZEDATOME décide de se structurer et de créer l’association ABAZEDATOME Loi 1901. ABAZEDATOME voit le jour officiellement et continue son travail de rue, les murs sont de plus en plus grands et de plus en plus voyants sur la ville de Lille et sa Métropole. ABAZEDATOME s’exporte avec des connections aux 4 coins de la France : Paris, Toulouse, Avignon, mais aussi à l’internationale avec la Belgique (Bruxelles, Anvers, Tournais, Mouscron), Les Pays Bas (Almere) mais aussi au Maroc, Turquie, Thaïlande puis à New York dans les quartiers du Bronx et du Queens ou ils réalisent un film documentaire sur le graffiti et en Chine à Pékin et Shanghai. ABAZEDATOME crée en parallèle de leurs actions, leur propre festival de graffiti avec le soutien de la Ville de Lille en 2003. Le but de cet évènement de faire découvrir le graff au grand public et de réunirent des graffeurs de France et d’Europe autour d’une même passion : le graffiti.
Vivant et travaillant à Lisbonne, au Portugal, ALEX K. SMITH (né en 1978) collabore largement avec des publications, des marques et des institutions privées telles que Vogue, Tumi, Adidas, entre autres. Passionné d'art depuis toujours, le peintre abstrait Alex K. Smith, figure renommée du monde du graffiti, crée ses œuvres sur différents supports, notamment des peintures et des œuvres sur papier. Ses abstractions énergiques sont inondées de touches de couleurs vives : noirs et blancs, rouges, bleus et roses. La couleur fascine l'artiste, l'amenant à un état de flux méditatif, où le processus est aussi important que le résultat. En s'engageant dans les vibrations de la couleur, Alex K. Smith les amplifie par la puissance du mouvement et se donne entièrement à une œuvre d'art. Pour l'artiste, la peinture est une quête constante de la perfection et reflète son désir d'organiser le monde selon un sens inné de l'harmonie. Alex Kuznetsov ne fournit pas de narration pour ses abstractions : au lieu de cela, il sublime ses visions, les amenant sur la toile pour que le spectateur éventuel les déchiffre et s'y identifie.
C’est en 2012 que la belle cité Phocéenne découvre ce natif de Rio de Janeiro, alors qu’il pose ses valises sans trop savoir ce qui l’attend. Marseille, bien que populaire, n’est alors pas une place mondialement réputée dans le milieu du street-art. Pourtant, Nhobi croit dans son potentiel et c’est ainsi que débute une véritable histoire d’amour. Couleurs, musique, plantes tropicales : tout le Brésil transpire dans les oeuvres de Nhobi. Impossible de ne pas remarquer une de ses oeuvres urbaines… Elles vous sautent toutes aux yeux ! Grace à son style décalé et proche de l’enfance, il séduit les amateurs les uns après les autres. Les premiers murs commencent ainsi à être griffés de ses personnages si particuliers. Artiste engagé, notamment dans la lutte pour la protection de la nature, Nhobi tente toujours de faire passe un message au travers de ses graffitis. Pour preuve, le projet Matutos, qu’il mène en collaboration avec d’autre artistes de la street marseillaise et qui à pour but de redonner un espace symbolique à la forêt dans les zones urbaines. Pour Nhobi « l’art n’est pas simplement un travail, c’est une manière de vivre qui fait partie intégrante de son histoire ». Il évoque dans chacun de ses travaux ses pensées, ses émotions, ses souvenirs et ses passions. Il aime plus que tout au monde la peinture et l’art en général, qu’il définit comme « une manière de laisse une trace éternelle et de défier la mort ».
Alberto Vejarano, alias CHANOIR, artiste franco-colombien né en 1976 à Bogotá, célèbre pour ses graffitis énergiques et optimistes. Son art, influencé par le Pop Art et la Figuration Libre, mêle couleurs vives et formes simplifiées, créant une fusion vibrante. Mêlant peinture abstraite et street art, il explore les frontières entre les deux, intégrant une esthétique Kawaii. Actif depuis plus de 25 ans, il travaille à la fois en atelier et dans les rues de Paris, Barcelone, Bogota et Miami. Son œuvre, exposée dans le monde entier, transcende les frontières artistiques traditionnelles, lui valant la reconnaissance internationale et le titre de Chevalier des Arts et des Lettres en 2019.
Le Collectif Poisson est un groupe d'artistes graffeurs anonymes basé à Lille, en France. Fondé dans les années 2000, le collectif est réputé pour ses interventions artistiques audacieuses dans l'espace urbain, transformant les murs gris en toiles colorées et vibrantes. En tant qu'artistes anonymes, les membres du Collectif Poisson mettent l'accent sur l'art lui-même plutôt que sur leur identité individuelle, offrant ainsi une expérience visuelle pure et dépourvue de toute influence personnelle. Leurs œuvres sont souvent empreintes d'une esthétique poétique et surréaliste, combinant des éléments graphiques abstraits avec des symboles et des motifs inspirés de la nature et de l'imagination humaine. Leur présence dans la scène artistique de Lille apporte une touche de fraîcheur et d'inspiration, invitant les spectateurs à réfléchir sur l'art, l'identité et la société contemporaine. Tout en demeurant anonymes, le Collectif Poisson continue de laisser sa marque créative dans les rues de Lille et au-delà, défiant les conventions et nourrissant l'imaginaire collectif avec leurs interventions artistiques uniques et provocantes.
EvazéSir, Eva & Sir sont nés en 1984 et forment depuis 2009 un duo d’artistes, dit ‘’street artists’’. Sir autodidacte, débute par le graffiti et commence jeune à peindre dans des endroits désaffectés. Il se passionne ensuite pour le pochoir et l’exploitation du motif . Tandis qu’ Eva s’oriente vers un parcours plus académique en école d’art, elle se concentre sur l’étude du personnage en noir et blanc. Deux identités visuelles se rencontrent, le réalisme en peinture au pinceau se lie à un style graphique urbain à l’aérosol . Le duo, actif dans les rues à l’international, avec des peintures in situ, collages ou d’immenses fresques peintes sur les murs et aussi productif en atelier avec réalisation d’installations et tableaux. Chacune de leur intervention puisent leur force dans l’assemblage de leurs trouvailles. Le bois, les morceaux de meubles anciens, les objets désuets, les papiers ... tout est propice à raconter des histoires. Leurs oeuvres puisent dans les effets du temps, qu’ils explorent avec nostalgie et laissent une trace. Celle des souvenirs. Figures, personnages et motifs font alors parler la matière, redonnent un souffle, une seconde vie pour convoquer l’imaginaire.
Jana & JS forment un couple d'artistes dont le travail s'inscrit aussi bien dans l'espace urbain que dans des lieux d'expositions fermés. Inspirés par la ville et son architecture en perpétuelle mutation, mais aussi par ceux qui la vivent et l'observent, ils peignent des paysages urbains, de simples détails d'architecture et des portraits dans des jeux de miroirs, de transparence et de mise en abîme. Ils utilisent la technique du pochoir reposant exclusivement sur leur travail photographique. Autrichienne et Français, ils vivent désormais à Salzbourg en Autriche après avoir passé quelques années à Madrid et à Paris.
John Matos, connu sous le nom de Crash, est un artiste graffeur et peintre né à Bronx, New York, en 1961. Il est l'une des figures les plus importantes et influentes du mouvement graffiti des années 1970 et 1980. Crash a commencé à peindre dans les rues de New York à l'âge de 13 ans et est rapidement devenu célèbre pour ses graffitis audacieux et colorés. Au fil des années, Crash a développé un style distinctif qui mélange le graffiti traditionnel avec des éléments de l'art pop et de l'art abstrait. Ses œuvres se caractérisent par des lignes dynamiques, des couleurs vives et des compositions audacieuses. Il est particulièrement connu pour ses peintures de voitures et de motos, ainsi que pour ses portraits de célébrités et de personnages emblématiques de la culture pop. Crash a été l'un des premiers graffeurs à être reconnu par le monde de l'art contemporain, et ses œuvres ont été exposées dans de nombreuses galeries et musées à travers le monde. Il a également collaboré avec de nombreuses marques et entreprises, notamment Fiat, Levi's et Fender, pour créer des œuvres d'art originales. Aujourd'hui, Crash continue de peindre et d'exposer son travail à travers le monde, tout en restant profondément enraciné dans la culture graffiti qui l'a inspiré depuis le début de sa carrière. Son influence sur le monde de l'art contemporain et du street art reste indéniable, et son héritage perdure dans les rues de New York et au-delà.
JR est un artiste photographe français né en 1983 à Paris. Il a commencé sa carrière artistique en réalisant des graffitis dans les rues de Paris, mais s'est rapidement tourné vers la photographie. JR est célèbre pour ses projets d'art urbain grandioses qui mettent en lumière les problèmes sociaux et politiques. Il utilise souvent des portraits de personnes ordinaires qu'il colle sur des bâtiments ou des structures urbaines emblématiques, créant ainsi des œuvres d'art monumentales qui attirent l'attention sur des questions telles que l'immigration, les droits de l'homme et la diversité culturelle. Ses projets les plus célèbres incluent "Women Are Heroes", où il a photographié et exposé des portraits de femmes dans des communautés marginalisées du monde entier, et "Inside Out", un projet mondial qui permet aux gens de soumettre leurs propres portraits pour être affichés dans l'espace public. JR a également réalisé des projets en collaboration avec des institutions telles que le Louvre et le Centre Pompidou à Paris, ainsi qu'avec des artistes comme le réalisateur Agnès Varda. Son travail a été largement exposé dans des musées et des galeries du monde entier, et il a reçu de nombreux prix et distinctions pour son engagement artistique et social, dont le prestigieux prix TED en 2011. JR continue de voyager à travers le monde pour réaliser des projets qui inspirent le changement et la réflexion, tout en encourageant le public à voir le potentiel artistique dans leur propre communauté et leur propre vie.
Art Spiegelman est un artiste, écrivain et illustrateur américain, né le 15 février 1948 à Stockholm, en Suède. Il est surtout connu pour son œuvre majeure, "Maus", une bande dessinée qui a révolutionné le genre et a été largement saluée comme un chef-d'œuvre de la littérature et de l'art. Spiegelman a grandi à New York, où il a étudié l'art et le dessin. Il a commencé sa carrière dans l'industrie de la bande dessinée dans les années 1960, contribuant à des publications underground telles que "Help!" de Harvey Kurtzman et "The East Village Other". Dans les années 1970, il a cofondé le magazine de bande dessinée "RAW" avec sa femme Françoise Mouly, qui est devenu célèbre pour son exploration de formes d'art graphique expérimentales et avant-gardistes. En plus de "Maus", Spiegelman est également connu pour ses caricatures politiques et sociales, publiées dans des magazines tels que "The New Yorker" et "The Village Voice". Son travail explore souvent des thèmes tels que la religion, la politique et la mémoire collective, et il est reconnu pour son utilisation novatrice de la bande dessinée comme moyen de raconter des histoires complexes et profondes. Au fil des ans, Spiegelman a reçu de nombreux honneurs et distinctions pour son travail, y compris des doctorats honorifiques de plusieurs universités et des récompenses prestigieuses telles que le prix Eisner et le prix Harvey. Son impact sur le monde de la bande dessinée et de l'art en général est immense, et son héritage continue d'influencer les artistes et les écrivains du monde entier.
Louis Bottero fait parler les signes, tel un jazzman, dans une virtuosité inégalée. Dans une spontanéité absolue et sacrée, ce musicien des couleurs interprète les lettres et le monde. Artiste plasticien, peintre contemporain issu du mouvement Graffiti, dicipline qu'il pratique depuis le début des années 2000, il est très impliqué et actif dans cette culture en France comme à l'étranger. Puisant son immense énergie dans la culture urbaine contemporaine, il dialogue avec ses codes mêlant un strict travail de calligraphie et des déclinaisons picturales riches de symboles. De cette démarche engagée naissent des œuvres complexes et colorées où foisonnent une multitude de détails souvent portés par son personnage libre et décomplexé des codes et des filiations. Dans sa démarche d'atelier, nourri de son échange avec l'espace urbain notamment par la pratique du tag, Louis Bottero nous entraîne dans un univers graphique et lumineux, marqué par l'impulsion du geste et la ligne instinctive. Il réalise régulièrement des performances en live-painting, où l'expression de sa spontanéité est sublimée. Dans sa thématique générale il questionne l'identité à travers la représentation de masques. Présent sur la scène artistique internationale de l'art urbain contemporain, il travaille et expose à Paris, Berlin et Los Angeles, son travail est régulièrement présenté dans des galeries en France et à l'étranger. Il intègre notamment pendant deux ans la prestigieuse Cité Internationale des Arts de Paris comme artiste résident. Il a réalisé également de nombreuses fresques murales en Europe, en Asie, au Canada et aux États-Unis.
OX est un plasticien français, né à Troyes en 1963. Il vit et travaille à Bagnolet. Actif depuis les années 1980, OX est surtout connu pour ses interventions artistiques dans l'espace urbain, en particulier ses collages et ses installations minimalistes. Son travail se distingue par son style épuré et sa capacité à utiliser les éléments urbains préexistants pour créer des compositions visuellement frappantes. Il est souvent associé au mouvement du street art et est connu pour ses interventions subtiles mais percutantes dans l'environnement urbain. Ses œuvres sont souvent basées sur des jeux visuels et des illusions d'optique, utilisant l'espace et les structures architecturales pour créer des effets surprenants. L'art d'OX est présent dans de nombreuses villes à travers le monde, où ses interventions urbaines apportent une touche d'art contemporain à l'environnement urbain. OX laisse son art parler pour lui-même, permettant aux spectateurs de tirer leurs propres conclusions et de découvrir la beauté dans les détails simples de la vie quotidienne.
Le Marseillais Stéphane Moscato arpente inlassablement les rues et décolle des pans entiers d’affiches pour les maroufler ensuite sur toile dans son atelier. Un dialogue créatif s’amorce alors avec le support quand surgit au hasard, un mot, une partie de visage ou une couleur. L’artiste travaille au pochoir et nie le caractère reproductible de la technique en composant des œuvres uniques (jamais reproduites) et polysémiques, se laissant guider par le sens qui se dégage de ces fragments de rue. Fortement inspiré par la culture punk rock, il propose aussi un engagement social et politique, perceptible en filigrane dans son travail. Un équilibre intéressant avec la façon dont il se réapproprie la mythologie classique dans une nouvelle narration. Il est représenté en Suisse par la galerie G. DAEPPEN à Bâle.
Le collectif 9e Concept constitue incontestablement un mouvement artistique à part entière et s’inscrit en tant qu’acteur majeur du monde de l’art. Précurseur, novateur et unique en son genre, leur démarche collective résonne comme une ouverture d’esprit, une générosité commune et une émotion forte qui prennent la forme d’un élan artistique et humaniste d’un nouveau genre. Fondé par Stéphane Carricondo, Jerk 45 et Ned en 1989, ils se sont construits autour de valeurs de partage et d’amitié. Fort d’une large communauté d’artistes français et internationaux, le collectif a su repérer et lancer des talents, développer un modèle économique solide, élaborer des projets communs à destination du grand public tout en restant fidèle à leurs valeurs. Le collectif œuvre depuis ses débuts à rendre l’art accessible au plus grand nombre, et les actions menées visent à désacraliser le monde de l’art en le sortant de son contexte formel. Aujourd’hui, le 9e Concept fédère les artistes Stéphane Carricondo, Jerk.45, Ned, Clément Laurentin, Romain Froquet, Olivia De Bona, Matthieu Daggorn, Théo Lopez, Alexandre D’Alessio, Gilbert Petit, Jeykill, Veenom, Jules Hidrot, Joachim Romain, Damien Mauro, Jerome Demuth et T Jul, tout en nourrissant une ouverture constante vers d’autres collaborations artistiques.
Etienne Bergot alias The Dude Company, un pochoiriste de 39 ans. En 2008, il se découvre une fascination pour le pochoir lors d’un voyage aux Etats-Unis. Une vraie passion qu’il exerce à mi-temps pendant un an. Amoureux du pays, le pochoiriste y fait souvent des allers-retours. Suite à une exposition collective, il se fait repérer par des professionnels du milieu qui l’encouragent à présenter son travail aux new-yorkais. De retour en France, il participe à la Braderie de l’Art en 2009, « Quand j’ai vu que le public adorait mes pochoirs et voulait me les acheter, j’ai décidé d’en faire mon métier ». Sa principale source d’inspiration lui vient du film de Michel Gondry, « Bloc Party », qui retrace un concert à Brooklyn rassemblant des artistes tels qu’Erykah Badu, The Roots, Kany West… Passionné par les rappeurs US et la communauté afro-américaine, l’artiste leur rend hommage à travers ses pochoirs sur les murs de Berlin, Prague, Londres, Paris, New York. C’est à partir d’un agrandissement d’image qu’Etienne démarre son œuvre. Pour chaque tableau, il faut deux pochoirs : un pour les nuances claires, l’autre pour les ombres. Vient ensuite la découpe au scalpel des pleins et des vides sur les pochoirs. Enfin, le bombage de peinture sur les support : bois, murs, plastique, carton…
Cleon Peterson est né en 1973 à Seattle. Il grandit dans un cadre familial bohème, encourageant la création. Asthmatique durant son enfance, il pratique le dessin pendant ses nombreuses hospitalisations. Plus tard, lorsqu'il vit à New York, il tombe dans la drogue et fait quelques passages en prison et en hôpital psychiatrique. C'est de cette expérience que Cleon Peterson nourrit son œuvre aujourd'hui. La violence urbaine, les ghettos et la tension qui y règne sont ainsi au cour de ses ouvres. « Je peins une réalité que tout le monde n'a pas forcément vécue mais qui existe, qui est là dehors. Il y a un genre de vie primaire qui va avec cette misère, c'est ce que j'essaye d'aborder dans mes peintures », confie l'artiste, en dehors de tout de jugement moral. En parallèle de son activité de peintre, Cleon Peterson est un graphiste très réputé dans le milieu du skateboard. En 1998, il intègre l'équipe californienne des assistants de Shepard Fairey. En 2009, Cleon Peterson obtient sa première exposition personnelle à Los Angeles et ne cesse de multiplier les projets depuis. En 2014, il réalise une fresque de 50 mètres au Palais de Tokyo.